現代アートと作品の種類とその事例

現代アートと作品の種類とその事例
【執筆者】

Febriyani Suryaningrum 

 

美術の世界では、「現代的」という言葉は時間だけでなく、オープンで実験的、そして社会の現実を反映した芸術的アプローチというものも指すことができます。

 

現代アートは時代の動きを反映しており、特定のメディアやテクニックに制限されません。現代アートを理解する上で重要な点の1つは、従来の絵画からインスタレーションやデジタルアートに至るまで、そのメディアの多様性を認識することです。

 

コレクター、キュレーター、アート愛好家にとって、メディアに基づいて現代アートの種類を理解することは、単なる分類ではありません。これは、時間の経過とともに進化し続けるアーティストのメッセージ、コンテキスト、作成過程を読み取るための鍵になります。

 

 

メディアから基づく現代アート作品の種類

 

モダニズムの時代のアートには一般的に絵画、彫刻、手描き、版画の 4 つの主要なタイプに分けられていました。しかし、テクノロジーの発展や芸術に対する新たな視点の出現に伴い、より多様で実験的なさまざまなアートスタイルが登場していきました。

 

こうした新しいタイプのアートの出現は、伝統的なアートの区切りに挑戦し、アートそのものの意味を再定義することを勧めるポストモダニズムの時代に対するアーティストの反応です。その結果、現代アートはより自由でオープン、そして革新的な空間になっています。

 

使用されるメディアに基づいて分類すると、少なくとも12種類の現代アートが存在します。興味深いことに、多くのアーティストが1つの作品にさまざまなメディアを組み合わせているため、これらの種類のアートの区切りはそれほど厳密ではありません。たとえば、パフォーマンスの要素を取り入れた絵画や、コラージュされた像などです。

 


 

1. 絵画

絵画は現代アートにおいて重要な表現形式として残っている最も古いアートメディアの1つです。

 

様々なアート思想家によって何度も「終了」と宣言されてきたにもかかわらず、絵画は実際には発展を続け、無限の視覚的探求の手段へと変化し続けています。

 

現代アートの世界では、絵画はもはや現実の物体の表現として機能するだけでなく、むしろ内面の表現、視覚的な質感、象徴性、社会的および文化的な問題への反応に重点が置かれるようになりました。

 

技術的には、絵画はアクリル絵の具や油絵の具などの湿ったメディアを使用して二次元の表面に描かれ、通常は綿のキャンバス、麻、木製パネル、さらには金属板に塗りこまれます。

 

しかし、今では多くのアーティストが伝統的な方法の境界を越えて実験的な作品を生み出しています。たとえば、金属や拾った物を使ったり、Anselm Kieferのようなアーティストが行ったように、絵画と彫刻の要素を組み合わせた作品などがあります。

 

その1つの作品として、油彩、アクリル、エマルジョン、樹脂（シェラック）、わらを組み合わせたAnselm Kieferの作品、「Nigredo」（1984年）を見ることができます。

 

インドネシアでは、現代アートの絵画は個人および集団の物語を表明する強力な手段として使われる場合があります。

 

ジェスチャーによる抽象化、テクスチャの重なり、文化的シンボルの使用などのテクニックは、現代インドネシア絵画のエコシステムを豊かにする特徴になっています。

 

 

2. 彫刻と像

彫像といえば昔は、木、石、大理石、青銅といった古典的な素材が使われていました。しかし、現代アートの世界において彫刻は、技術や素材、作品に対する見方の発展とともに進化を続ける立体表現となっています。

 

そのため、今のアーティストは、樹脂、プラスチック、リサイクル金属、グラスファイバー、有機材料、電子機器に至るまで、さまざまな新しいメディアを探求することに熱心しています。

 

こうした探求は、従来のアートの区切りを打ち破り、より自由で実験的な視覚言語を創造したいというアーティストの願望を反映しています。

 

現代において、彫刻はもはや具象的な形態に限定されません。人体を非常に詳細に描写するハイパーリアリズム作品など、現実に近い視覚的表現を選ぶアーティストもいます。

 

しかし、幾何学的な形状、表面、空間を優先する抽象的またはミニマリスト的なアプローチを選択するアーティストも多くいます。このアプローチは、Donald JuddやFrank Stellaの作品で見ることができます。

 

イギリスのアーティスト、Anish Kapoorのように彫刻作品を通して空間の反射や認識を探求するアーティストもいます。

 

今の現代アートでは、彫刻とインスタレーションアートの境界がますます薄くなってきていることに注目することができます。彫刻は、既成の物体を使用したり、独自の空間環境を作ったりする場合は、インスタレーションとみなされます。

 

これは、彫刻が厳格なカテゴリーではなく、むしろ動的かつ進化し続ける探求の分野であることを示しています。インドネシアでは、現代アートの彫刻の実践もますます増えています。アーティストたちは、社会、環境、そして精神的な問題に向き合うために、コンセプチュアルなアプローチと非伝統的な素材を使って作品を生み出しています。

 

したがって、今の彫刻は物体だけでなく、空間、アイデア、そして作品と観客との相互作用の体験も提示することができます。

 

このことで有名な人物の一人が、I Nyoman Nuartaです。I Nyoman Nuartaはバリ島に堂々とそびえ立つGaruda Wisnu Kencana像（GWK）をはじめとする記念碑的な作品の作者で知られています。それ以外にもI Nyoman Nuartaはインドネシアの新首都Ibu Kota Negara NusantaraのGaruda宮殿の設計も依頼されました。

 

 

3. 描画

描画は視覚教育の基礎となっている最も古いアートの形式の1つです。過去には、描画は絵画や彫刻などの「より大きな」作品の創造における最初のステップに過ぎないと考えられることが多いです。

 

したがって、「芸術は描くことから始まる」という古い格言は大げさではありません。なぜなら、アーティストは通常、描くことから作品の作成を始めるからです。鉛筆、インク、または木炭を使って紙に最初の形を作ることから始まります。

 

しかし、モダンアートと現代アートの発展において、描画は主要なメディアとしての地位を定着しました。描画の絵はもはや二次的または後れている作品とはみなされず、完全な芸術作品として単独で存在するようになりました。

 

多くのアーティストは、自発的で表現力豊かで親密な作品を生み出すことができるという理由から、一貫して描画というメディアで作品を作成することを選んでいます。使用されるテクニックは、細い鉛筆のストロークから大規模な木炭のストロークに至るまで、ますます多様化しています。現代アートの描画作品にあるテーマ、テクニックなども、時代の複雑さを反映しています。アーティストたちは、アイデンティティ、文化、個人の歴史、社会問題といった問題を、より自発的でありながらも深遠なアプローチで探求します。このような作品は、中間者を介さずに、アイデアや感情を正直に伝えることができます。これにより、現代の描画アートは視覚的コミュニケーションの非常に効果的な手段となります。

 

インドネシアでは、多くの若手アーティストから経験豊富なアーティストまで、描画を芸術探求の主なメディアとして活用しています。詳細、身振り、質感を捉える繊細さにより、現代アートのますます幅広く多分野にわたり、このメディアは引き続き重要な意味を持つようになります。

 

その中には、Muhammad ‘Ucup’ Yusufというアーティストがいます。Ucupの主な描画メディアはインクとボールペンを使っています。彼のスタイルは非常に独特で、社会、政治、文化、環境問題をテーマにした詳細で密度の高いイラストが特徴です。Ucupの代表作の一つ「Little Cosmos from Java」（2014年）は、紙にペンで描かれた、社会文化的なニュアンスを持つシュルレアリスム的な人物を描いています。

 

 

4. 版画

版画はヨーロッパで1450年頃に初めて開発されて以来、長い進化を遂げてきた最も古いアートスタイルの1つになっています。

 

木版画、彫刻、エッチング、リトグラフなどのテクニックにより、アーティストは高い芸術的価値を維持しながら、限られた数量で作品を複製することができます。これにより、品質を犠牲にすることなく、一般の人々やコレクターがより手頃な価格でアート作品を所有できるようになります。

 

現代アートの分野では、版画が復活を遂げていることが分かります。アーティストは伝統的な技法を維持するだけでなく、デジタルメディア、代替素材、型破りなツールを使った実験的な作品も生み出していきます。これにより、版画は柔軟で表現力豊かなメディアとなり、新たな可能性に満ち溢れる作品となります。

 

それぞれの版画には、たとえ同じ版から作られたものであっても、微妙なニュアンスや「欠陥」があり、まるでまったく新しいオリジナル作品に仕上がっているかのように感じられます。それぞれの作品のユニークさこそが版画の魅力となるのです。

 

アーティストの中には、版画を作品作成の主なテクニックとして使っている人もいます。その一人として、物語性と感情に訴える版画で広く知られる南アフリカのアーティスト、William Kentridgeが挙げられます。

 

インドネシアでも、Taring Padiなどのオルタナティブコミュニティにおいて、木版画の技法を使ったグラフィックアートの実践が力強く発展しています。Muhammad ‘Ucup’ Yusufのような若いアーティストも、木版画のテクニックを使って作品の中で社会批判を伝えています。

 

したがって今の現代アートである版画は、単なる複製技術ではなく、手作業の技術、技術的な精度、視覚的な物語が独特の調和で組み合わさった、自律的でダイナミックなアートスタイルになっています。

 

 

5. コラージュ

コラージュとは、紙片、写真、布地、さらには日常の物など、さまざまな視覚要素を、特定の意味やメッセージを持つものをまったく新しい構成に配置するアートスタイルです。

 

これは16世紀からヨーロッパで存在していましたが、コラージュは20世紀初頭のモダニズムの出現以来、価値の高いアートスタイルとしてみなされるようになりました。キュビズム、ダダイズム、シュルレアリスムなどの芸術運動により、コラージュは社会批判、不条理、さらには夢を伝える主要なメディアとなりました。

 

コラージュを作成する過程で、アーティストは廃棄された素材や他のメディアから切り取った画像を使用してイメージを再構築します。このアプローチは、流用が主要な創造戦略となったポストモダン時代に特に重要になりました。

 

さらに、現代のコラージュは単にカットアンドペーストの美学だけではなく、アイデンティティ、集合的記憶、消費文化の問題にも触れています。

 

たとえば、Adrian Ghenieのようなアーティストは、歴史的な視覚的断片を新しい物語に混ぜ合わせることで、コラージュのアプローチを独特の絵画スタイルのベースにしています。

 

インドネシアでは、特に若いアーティストや独立系イラストレーターの間でコラージュの作品も広まっています。このテクニックは、幅広い探求の場を提供し、美術、グラフィック デザイン、個人的な物語の間の境界を打ち破ってくれます。

 

 

6. デジタルアート

デジタルアートは、Photoshop、Procreate、その他のデザインアプリケーションなどのグラフィックテクノロジーとソフトウェアの発展から生まれたアートスタイルです。

 

物理的な素材を使用する普通のアートとは異なり、デジタルアートはさまざまなソースからのデジタル画像、写真、テクスチャ、イラストを組み合わせて、新しい視覚的構成の作品を生み出します。

 

デジタルアートは、当初は商業グラフィックデザインの一部と考えられていましたが、現在では本格的なアートスタイルとして認識されています。Jorg Kargのようなアーティストは、デジタルアートが従来のメディアとそれ以上の表現の深さを実現できることを証明しています。Jorg Kargの作品は人体と抽象的な要素を組み合わせ、刺激的で神秘的な超現実的な雰囲気を作品の中に生み出しています。

 

デジタルアートにより、アーティストは迅速かつ柔軟に、実験的に作業を行うことができます。インターネット上の何百万ものストック画像や視覚的要素のソースにアクセスすることで、アーティストは豊かで複雑な視覚的物語を展開できます。

 

この幅広いアクセスができるからこそ、作品が単なる装飾やランダムなものにならないようにするためには、選択性とコンセプトが作品の鍵となるのです。

 

インドネシアでは、多くの若いビジュアルクリエイターがデジタルアートを使って社会批判を伝えたり、アイデンティティを探ったり、あるいは単にポップカルチャーのばかげたもので遊んだりしています。

 

デジタルアートは、NFT、ソーシャルメディア、現代のビジュアルキャンペーンの分野でも栄えており、今のデジタル時代において最も適応性の高いアートスタイルの1つとなっています。

 

 

7. 芸術写真

写真は単なるビジュアルを記録するものだけではなく、はるかに発展し続けています。現代アートのコンテクストでは、コンセプチュアルな写真は絵画や彫刻と同等の芸術表現のメディアと見なされています。

 

現代アートの芸術写真家は、アイデンティティ、身体、記憶、社会政治的問題といったテーマを、非常に概念的なアプローチで探求することがよくあります。

 

このアーティストたちの作品は物体や情景を描写するだけでなく、隠されたメッセージを暗示したり、深い反応を呼び起こしたりすることも多いです。

 

芸術写真という用語はアーティストがカメラを使用して画像を撮影するだけでなく、複雑なアイデア、感情、視覚的な物語を伝えるという実践を作品で指します。

 

Wolfgang TillmansやDirk Braeckmanのような大物アーティストは、写真がいかにして伝統的な美術の境界を打ち破ることができるかを示す好例となります。

 

一方、写真は他のアートスタイルを記録する上でも重要な役割を果たします。多くのパフォーマンスアート作品や一時的なインスタレーションは、写真による記録を通じてのみ再び楽しむことができます。これは芸術的な瞬間を空間と時間の中で「凍結」するための重要なメディアとなります。

 

カメラ技術とデジタル編集の進歩により、芸術写真家はより多くの方法で画像を操作し、新しい視覚的現実を作品の中に生み出せるようになりました。

 

 

8. ビデオアート 

ビデオアートは、最もダイナミックで進化し続ける現代アートのスタイルの1つです。動画技術の初期の頃から、アーティストたちは芸術的表現の手段としてこのメディアを探求し始めました。

 

László Moholy-NagyやAndy Warholなどの前衛アーティストたちは、抽象的な映画やミニマリスト的なビデオを実験的に作品に落としこみ、今の私たちが知っているようなビデオアートの実践への道を切り開いた先駆者たちでした。

 

今、ビデオアートは多分野にわたるアーティストにとって主要なメディアとなっています。アーティストはビデオアートで、動画、音、そして時間を主要な要素として用います。

 

一部の作品では、質感、温度、香りなどの追加の感覚的要素も取り入れられ、没入感と奥深い体験を生み出しています。

 

さらに、ビデオ アートの多くは、特定の場所を対象としています。これは作品が特定の場所に特定の方法で展示されるように設計されていることを意味します。部屋、マルチスクリーンインスタレーション、オンラインで展示などをして閲覧したりすることが可能です。

 

ビデオアートと商業的な物語のある動画の違いは何でしょうか。ビデオアートには必ずしも従来のストーリーラインがあるわけではないことに注意することが重要です。

 

重点は、アイデア、雰囲気、そして刺激的なオーディオビジュアル体験の創出に置かれています。今のデジタルな時代において、ビデオアートは実験的なアートのための広大かつ可能性のある空間になり続けています。

 

 

9. インスタレーション

インスタレーションは、現代アートの中でも最も没入感があり、実験的なスタイルの1つです。コンセプチュアル運動に深く根ざしたインスタレーションアートは、通常三次元で単一のオブジェクトまたはさまざまなオブジェクトの組み合わせで特定の空間を満たすように設計されています。

 

単独で存在することが多い伝統的な彫刻や像とは異なり、インスタレーションでは、Joseph Kosuthの象徴的な作品「One and Three Chairs」（1965年）のように既製のオブジェクトを活用したりします。この作品では、意味と認識を探求するメディアとして、写真、元の形状、説明の形で椅子が展示されています。

 

このアプローチにより、アーティストは日常的な物からインタラクティブなテクノロジーまで、さまざまな素材とメディアを型破りに組み合わせることができます。

 

インスタレーション作品は展示スペースやギャラリー全体を埋め尽くすことが多く、鑑賞する人がその中を歩き回り、直接関わるよう促すようなものがあります。しかし、作品によっては壊れやすかったり、特定の体験を生み出すために意図的に制限されていたりするなど、一点から鑑賞するだけで十分なものもあります。

 

インスタレーションアートを他のアートスタイルと区別するポイントは、作品から生み出される総合的な体験にあります。この種類の作品を鑑賞する際、鑑賞者は単に見るのではなく、アーティストが構築した空間と意味を体験することができます。

 

インスタレーションアートは、世界中の現代アートのアーティストによって最も広く使用されているメディアの1つです。インタラクション、知覚、体験に重点を置いたインスタレーションは、私たちが芸術作品を単なる鑑賞対象としてではなく、体験する空間として捉える新たな可能性を生み出しています。

 

 

10. ランドアート

ランドアート、またはアースアートとも呼ばれるこのアートスタイルは、1960年代後半にコンセプチュアルアート運動の一環として生まれた現代アートの一種です。

 

ランドアートのアーティストは自然と風景を主なメディアとして使用し、オープンな環境で直接作品を生み出します。ランドアートは地面を彫ったり、岩を配置したり、特定の場所に自然の要素から構造物を構築したりすることによって作品の作成を行うことができます。

 

ランドアートの最も象徴的な例の1つは、Robert Smithsonによる「Spiral Jetty」（1970年）です。これは米国ユタ州のグレートソルトレイクの岸に建てられた、石と土でできた大きな螺旋状の建造物です。

 

ランドアートは必ずしも大規模であったり壮観なものであったりするわけではありません。Jan Vercruysseのようなアーティストが設計した個人の庭園など、より小規模で親密な形態のランドアートもあり、彫刻と自然の要素を組み合わせて、周囲の環境に溶け込む芸術的な空間を作り出しています。

 

ランドアートはギャラリーや美術館の境界に挑戦し、アートを展示物としてだけでなく、風景や自然のプロセスそのものの一部として解釈するよう促していることができます。

 

インドネシアでは、2011年にジョグジャカルタのスレマン、ベルバ地区の住民の田んぼに、サークルの形でミステリーなランドアートが出現したことがあります。

 

その突然の出現した大きくて対称的な形状のランドアートは大きな騒ぎを引き起こし、さまざまな議論を引き起こしました。なぜなら、そのミステリーなサークルはUFO（未確認飛行物体）の痕跡だと考えられていたからです。

 

このコンテンツが公開されてからも、このサークルの作品の背後にいるアーティストや責任者の目的や身元は明らかになっていません。

 

 

11. インターベンションアート

インターベンションアートは、公共の空間や特定の環境において、その空間に対する一般の認識を混乱させたり、疑問を投げかけたり、変えたりすることを目的として、アーティストが直接行動を起こす現代アートのスタイルです。

 

ランドアートが屋外への介入に重点を置いているのに対し、インターベンションアートは都市、通り、建物、その他の公共エリアなどの都市環境で多く発生します。インターベンションアートの作品は小さなものから印象的なものまで様々ですが、伝えられるメッセージは社会的、政治的、または現代の問題を反映したものになることが多いです。

 

インターベンションアートの例として、建物や橋、さらには島々まで巨大な布で包んだアーティストのカップル、ChristoとJeanne-Claudeが挙げられます。

 

ChristoとJeanne-Claudeは、物体の見た目を変えるだけでなく、人々に公共空間との関係や、場所の「境界」、「機能」、「アイデンティティ」の意味を再考するよう促す作品を生み出します。

 

概念的には、インターベンションアートには、パフォーマンスアクション、一時的なインスタレーション、コミュニティとの直接的なコラボレーションが含まれる場合もあります。主な目的は、個人としても集団としても交流、対話、反省を促す芸術的な混乱を提示することです。

 

インターベンションアートとは単に視覚的な要素を加えるということだけではなく、日常の習慣に割り込み、日常生活の中に新たな意識の空間を切り開くように促しています。

 

 

12. パフォーマンスアート

パフォーマンスアートは、物理的な物体を生み出すのではなく、イベントや行為そのものが芸術作品となるため、現代アートのユニークなアートスタイルになっています。このジャンルは1960年代から1970年代に登場して以来、発展を続け、今の芸術活動において最も表現力豊かなメディアの1つとなっています。

 

作成が完成されてから展示される絵画や彫刻とは異なり、パフォーマンス アートは観客の前で直接披露されます。焦点となるのは最終結果ではなく、プロセスと経験が見られます。

 

このようなパフォーマンスは、伝えたいメッセージに応じて、計画的なものでも即興的なものでも、真面目なものでもユーモラスなものでも、個人でやるものでも共同で行うものでもかまいません。多くのアーティストが、気候危機、政治、社会的不平等、さらには実存主義といった重要な問題をパフォーマンスで提起しています。

 

実際には、パフォーマンス アートは、演劇、ダンス、音楽、さらには儀式などの他と関係することがよくあります。

 

パフォーマンス アートのユニークさは一時的かつ再現不可能な性質にあり、観客に忘れられないライブ体験の作品を提供されます。



アーティストが使用するメディアに基づいた、さまざまなタイプの現代アートの種類の概要でした。これらの種類を理解することで、より広く深い視点からアート作品を鑑賞できるようになります。

 

しかし、現代アートはメディアによって区別されるだけでなく、作品のアイデンティティ、価値観、メッセージの形成に貢献するさまざまな芸術運動によっても区別されます。現代アートのさまざまな芸術運動についてさらに理解を深めるには、以下の記事を続けてお読むことができます。

 

 

【参照元】

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